FANA ADJANI | MEXIQUE | 2026.

À PROPOS DE L’ŒUVRE.

FISSURES s’articule comme un dispositif sensoriel autour du deuil, de la perte et de la mémoire dans la contemporanéité : un champ d’affects où la douleur n’apparaît pas comme un objet fermé, mais comme une matière mobile qui migre entre les corps, une matière affective qui se déplace, se sédimente et se réécrit depuis l’éclipse du temps. L’installation comprend que le deuil ne se présente pas comme une clôture mais comme une fissure : un intervalle qui altère la perception et ouvre un seuil pour habiter la perte depuis le corps, qui ouvre des conditions de perception, de contact et de respiration partagée, et qui rend lisibles des réseaux de soin humains et inter-espèces, dans le mur poreux entre vie et mort : le vivant soutient le vivant et le mort dans une continuité matérielle, où nos récits se composent avec d’autres présences, d’autres peaux, d’autres rythmes. Inspirée du mythe de Pyrame et Thisbé depuis un regard féminin, la pièce déplace la logique tragique vers une éthique de l’insistance : ne pas se rendre, mais donner forme à la douleur comme mouvement, rituel et métamorphose. En intégrant cinéma, photographie et design sonore, la narration s’étend vers le public ; lors d’activations programmables, la dimension communautaire s’intensifie avec la rencontre et la danse devient un langage affectif et politique.

PROPOSITION D’INSTALLATION

FISSURES est une installation audiovisuelle en triptyque synchronisé dans laquelle des boucles photographiques latérales et un seuil sonore-visuel central (éclair, noir et vent) ouvrent périodiquement la projection de MANDRAGORA comme noyau narratif, avec activation performative optionnelle à des dates programmées.

Modalités:

Mode A (standard): installation en boucle continue (visite d’exposition).

Mode B (optionnel): activation performative programmable (DJ set).

Règle opérationnelle clé:

La danse et l’occupation totale de la salle n’ont lieu que pendant les activations programmées par l’institution.

En mode standard, la salle n’est pas activée comme piste de danse.

Durée du cycle : T-total = T-photographier en mouvement, T-audio, T-film, T-audio.

Temps photographier en mouvement: (3) min

Temps audio: (1) min

Temps film MANDRAGORA: (15) min

Temps audio: (1) min

Temps total: (20) min

Espace minimum recommandé: (5) m² (ou black box).
Audio: stéréo / 4 canaux (selon disponibilité).

I. DESCRIPTION

FISSURES est une installation audiovisuelle étendue conçue comme un triptyque synchronisé qui organise l’expérience du public à travers des cycles d’image et de son. Deux écrans latéraux présentent une boucle de photographie en vidéo, une archive en mouvement qui se comporte comme une mémoire active et une atmosphère visuelle. Sur l’écran central, une image d’éclair fonctionne comme signal et seuil : un point de tension qui annonce le passage de l’archive comme mémoire vers la narration. À la fin de la boucle, les trois écrans s’éteignent en fond noir et un bref design sonore de vent ouvre un espace de respiration. Après ce seuil, seul l’écran central projette le court-métrage MANDRAGORA complet, y compris les crédits ; à la fin, un second seuil d’écrans en fond noir et vent relance le cycle et ramène le spectateur à l’archive de la mémoire.

L’œuvre fonctionne en mode standard comme installation visitable (parcours, permanence et écoute) et est pleinement présentable sans activation en direct. À des dates sélectionnées par l’institution, FISSURES peut intégrer une activation performative programmable au moyen d’un set en direct, intensifiant la dimension communautaire et affective du dispositif. Dans ce cas, la salle est activée comme piste de danse exclusivement pendant l’activation, maintenant le reste du temps la logique d’exposition du triptyque.

Deuil / migration / métamorphose / affectivité collective /culture de paix.

Public : présence corporelle (mode standard) collectivité (activations).

1.2 VERSION COURTE

FISSURES est une installation audiovisuelle au langage sensoriel sur trois écrans synchronisés. Sur les écrans latéraux se déploie une boucle d’archive comme mémoire de photographie en vidéo, tandis que l’écran central soutient une image d’éclair qui fonctionne comme seuil. À la fin de la boucle, les trois écrans passent en fond noir avec un bref design sonore de vent immersif et, ensuite, seulement sur l’écran central, commence le court-métrage MANDRAGORA complet, avec crédits. L’installation est autonome ; la danse n’est activée que lors d’activations performatives programmables.

1.3 MOTS-CLÉS

Deuil / migration / métamorphose / mémoire / communauté / rituel / archive / fissure / seuil / collectivité / affectivité/culture de paix.

II. EXPÉRIENCE EN SALLE

2.1 Mode A — Installation (visite standard).

Audience:parcours / permanence / écoute.

La danse n’est pas autorisée.

Conditions de lumière : faible luminosité pour la projection de l’installation, lumières LED de faible intensité et chaudes (2700K - 3000K), afin de permettre une circulation fluide à l’entrée de la salle ou dans les couloirs, escaliers et sorties sans altérer la projection.

Audio: stéréo ou 4 canaux.

Capacité suggérée: adaptable au lieu.

2.2 Mode B: Activation performative (optionnelle, programmable).

Activation: DJ set en direct (le cas échéant : Pepe Mogt) et/ou alternative locale
Pendant l’activation, la salle est activée comme piste de danse.

Contrôle de capacité et médiation: 200 personnes ou plus selon l’espace.

Horaires / limites de performance: 60 à 90 min de DJ set.

Format: DJ set en direct (stéréo).

Espace et fonctionnement.

Emplacement du DJ: de préférence dans un coin arrière ou latéral de la salle, sans obstruer les écrans / la projection.
Surface minimale de la table: 2,0 m (largeur) x 1,5 m (profondeur) + 1,0 m libre autour pour l’opération / sécurité.
Hauteur de table: 0,90–1,00 m.
Règle de salle: la danse est autorisée uniquement pendant l’activation ; en dehors de cet horaire, visite d’exposition.

2) Audio: Exigences minimales (indispensables).

III. DRAMATURGIE TEMPORELLE DU TRIPTYQUE (logique de la boucle)

3.1 Phase A: Constellation (photographies)

L/R: boucle de photographies comme archive de mémoire en vidéo.

C: image de l’éclair (boucle ou quasi fixe).

Audio: (musique / atmosphère minimale de vent).

3.2 Phase B: Seuilb1 (1 min)

L/C/R: noir.

Audio: vent, design sonore.

3.3 Phase C: Noyau narratif (court-métrage MANDRÁGORA)

C: MANDRÁGORA complet avec crédits.

L/R: noir.

Audio: film.

3.4 Phase D: Seuil 2 (1 min)

L/C/R: noir.

Audio: vent, design sonore.

Retour à la Phase A

IV. DISPOSITION SPATIALE (montage)

4.1 Disposition générale (avec diagramme)

Triptyque frontal: L — C — R

Distance entre les écrans: de 35 cm minimum à 1 m

Taille de l’image centrale: minimum 20 m², adaptable selon l’espace

Zone du public: adaptable au lieu

4.2 Variante selon le lieu

Variante écrans / variante projection.

4.3 Contrôle de la lumière

Boîte noire / pénombre / salle blanche (conditions minimales) faible luminosité.

V. COMPOSANTS ET CONTENUS (livrables)

Composants de l’installation.

Composant filmique (court-métrage): MANDRÁGORA

Archive photographique en mouvement (boucle vidéo) L/C/R.

Design sonore multicanal (vent et atmosphère), stéréo + 4 canaux.

VI. EXIGENCES TECHNIQUES (INSTALLATION)

6.1 Vidéo

3 écrans / 3 projecteurs (selon configuration)

Serveur média (1) avec 3 sorties.

Câbles et types selon la distance

Supports / rigging

6.2 Audio

Stéréo minimum / 4 canaux recommandé.

Interface audio.

Haut-parleurs (adaptés pour atteindre un niveau de pression sonore satisfaisant en salle).

Niveaux indicatifs.

6.3 Électricité.

Circuits dédiés.

Onduleur / régulateur

6.4 Câblage et sécurité

Goulottes / rampes

Éclairage LED pour la circulation en salle / signalétique / issues de secours

VII. EXIGENCES TECHNIQUES (ACTIVATION OPTIONNELLE)

7.1 Système de diffusion (PA) DJ

DJ PA (room)

Système stéréo adapté à la taille de la salle:

Petites salles (jusqu’à ~80 m²) : 2 enceintes actives professionnelles + subwoofer optionnel

Salles moyennes / grandes : système du musée ou prestataire (têtes + subwoofers) avec couverture uniforme.

Mixage / contrôle
Console du musée ou processeur/DSP pour calibrer les niveaux.

Niveaux
Définis par le musée ; recommandé de maintenir une moyenne sécurisée (par ex. 85–95 dB) selon la réglementation locale.

Monitoring DJ (indispensable)

1–2 retours (type wedge ou nearfield) orientés vers le DJ.

Connexions (indispensable)

Entrée PA : 2 prises XLR symétriques (G/D) provenant de la table de mixage DJ.

Câblage audio suffisant pour atteindre le point de raccordement du musée.

3) Équipement DJ

2 x CDJ-2000NXS2 / CDJ-3000 (ou équivalent professionnel).

1 x DJM-900NXS2 / DJM-A9 (ou équivalent).

4) Électricité (indispensable)

2–4 prises de courant à proximité de la cabine (même circuit de préférence, régulé).

Un régulateur de tension ou un onduleur est recommandé pour le matériel DJ (si la salle l'autorise).

Le câblage doit être fixé à l'aide de chemins de câbles ou de ruban adhésif toilé dans les zones de circulation.

5) Éclairage

Éclairage suffisant en cabine pour la lecture de l’équipement sans affecter la projection :
1 lampe petite ou lumière ponctuelle chaude dirigée vers la. table
Signalisation de sécurité visible en cas de pénombre

Considérations à prendre en compte si la pièce est faiblement éclairée : signalétique de sécurité visible et indications pour les voies d’évacuation.

6)Test sonore / timing

Balance sonore : 30–60 min avant ouverture (selon complexité).

7) Personnel minimum recommandé (musée).

1 technicien audio( PA, niveaux, patch)

1 responsable de salle (timing, accès, jauge)

1 1 miembro del equipo de mediación (si el espacio lo requiere).

Les câbles doivent toujours être fixés à l'aide de chemins de câbles.

Le lieu définit le protocole d'évacuation et les limites de volume sonore.

Règle d'utilisation récurrente : la danse est autorisée uniquement pendant l'activation.

VIII. ACCESSIBILITÉ

Places assises disponibles : oui / non, adaptables au lieu.

Alternatives pour la sensibilité sonore (horaires / niveaux / signalétique) : adaptables au lieu.

Sous-titres du film : disponibles en anglais, français et espagnol (CC).

IX. INSTALLATION / DÉMONTAGE / MAINTENANCE

Durée de l'installation : 1 jour.

Durée du démontage : 1 jour.

Personnel sur place : 1 technicien du son, 1 technicien vidéo, 1 membre de l'équipe de production, 1 coordinateur de la communication avec la communauté.

Équipe Fana : deux membres de l'équipe de production et l'artiste.

Personnel pour les activations avec Pepe Mogt : 1 manager et l'artiste.

Liste de contrôle quotidienne : Nettoyage/recalibrage du projecteur (le cas échéant).

X. CRÉDITS ET DROITS

TOUS DROITS RÉSERVÉS PAR FANA ADJANI © 2026

XI. ANNEXE | ŒUVRE ÉTENDUE

Boucle | Photographies comme archive de mémoire en vidéo

Noyau narratif | MANDRÁGORA

SYNOPSIS

Un homme nommé Pyrame descend dans un tunnel soutenu par des souvenirs, où une voix féminine, Les Fissures, répond: dans la métamorphose, il y a renaissance.

À travers un regard féminin subversif, Pyrame se dépouille de l’héroïsme pour devenir un corps qui prend soin, nous guidant vers une vulnérabilité délicate qui s’épanouit dans la pratique de rester en vie. Parce que nous ne sommes pas seuls lorsque nous traversons l’obscurité. Parce que même au bord, une autre manière d’être vivant peut émerger, puisqu’il existe des réseaux de soin, d’amour, des fissures petites ou inattendues qui peuvent nous soutenir et nous offrir une autre possibilité dans cet espace poreux entre la vie et la mort. Transformer et exprimer la douleur à travers le mouvement, le rituel, la métamorphose, dans la vie.

XII. À PROPOS DE L’ARTISTE

BIOGRAPHIE

FANA ADJANI (Mexico, 1988) est artiste, réalisatrice et chorégraphe. Sa pratique explore le corps, le cinéma et la chorégraphie comme un dispositif expansif et expérimental qui articule des relations vivantes entre la mémoire, les droits humains et les politiques du care, en travaillant entre les arts visuels, les arts de la scène et, parfois, leurs intersections avec le mainstream.

Elle a réalisé le court-métrage TIERRA, sélectionné dans des festivals tels que le Fairy Tales Queer Film Festival à Calgary (où il a reçu le Programmer’s Choice Award du meilleur court-métrage), le Festival International du Film de Guanajuato (GIFF), MICGénero, le Seattle Queer Film Festival et l’Outfest Fusion QTBIPOC Film Festival à Los Angeles. En 2023, TIERRA a été intégré aux archives cinématographiques de l’Université de Californie à Los Angeles (UCLA Film & Television Archive) et a fait l’objet d’une projection spéciale à la galerie GAVLAK. À propos du film, Rolling Stone (États-Unis) a écrit : « Magnifiquement réalisé. »

En tant qu’artiste visuelle, elle a présenté son travail dans des espaces tels que le Museo Universitario del Chopo (UNAM), où elle a coordonné le cycle TIERRA et présenté l’installation Se encuentran, se acompañan, ainsi qu’au MUAC (Museo Universitario de Arte Contemporáneo, UNAM) et au Palacio de Bellas Artes. Sa pièce audiovisuelle Whole Body a été projetée au Overkill Festival (Pays-Bas), à Bogotá, et a été présentée en exclusivité par ForbesLife.

En 2023, elle a été artiste en résidence à la Fundación Casa Wabi.

Entre 2023 et 2024, elle a collaboré en tant que conseillère auprès du Conseil des jeunes pour la diffusion culturelle de l’Université Nationale Autonome du Mexique (UNAM).

MÉTHODE DE TRAVAIL

FANA ADJANI explore le cinéma, l’image et la chorégraphie comme un dispositif expansif et expérimental qui articule et traverse des relations vivantes entre les corps, la mémoire, les droits humains et les politiques du care, entendues comme des champs sensibles où l’intime et le collectif s’affectent mutuellement. Elle travaille entre les arts visuels, les arts de la scène et, parfois, leurs intersections avec le mainstream, créant un espace pour mettre en tension et reconfigurer les manières de voir et de ressentir en commun.

PRESSE

“…réalisé avec une beauté extraordinaire dans Tierra…“
— Julyssa Lopez, Rolling Stone (États-Unis)

“Adjani a déjà réalisé des vidéoclips et, avec Tierra, franchit un cap vers une production de plus grande envergure (…)”
— José Juan de Ávila, Milenio

“Le projet (…) continuera à récolter des succès pour la vision cinématographique et chorégraphique d’avant-garde de Fana Adjani.”
— Armando Tovar, Naufraghost

“Tierra, réalisé par la reconnue artiste multidisciplinaire mexicaine Fana Adjani, est un film qui reconnaît la destruction constante de notre planète et du corps comme cet habitat en transformation.”
— Bianka Estrada, Sin Embargo

“La metteuse en scène mexicaine la plus remarquable (…) de ces derniers temps.”
— Sheila Ramírez, Forbes

“Elle a réussi à transcender les barrières ou limitations qui existent généralement dans l’industrie, donnant voix à un mouvement social qui attire puissamment l’attention.”
— Danieska Espinosa, Crónica

“Subunguis (pièce de Fana) est une expérience scénique recommandable qui séduit par ses propositions visuelles et un paysage sonore urbain, et qui nous laisse un espace pour réfléchir aux temps que nous traversons et à la difficulté d’y échapper.”
— Wenceslao Bruciaga, Time Out

XIII. COLLABORATEURS

EMILIO VALDÉS

Acteur: Pyrame | Producteur | Directeur de la photographie

Emilio Valdés (né en 1982, Mexico) est directeur de la photographie et diplômé en arts plastiques de La Esmeralda. Avec une trajectoire qui traverse les arts visuels et des expositions en Europe et en Amérique, il fusionne la sensibilité de la galerie avec la forme cinématographique.

Il a été directeur de la photographie pour Rezeta (Frías, 2012), Vienna and the Fantomes (Naranjo, 2019), A 3-Minute Hug (González, 2019), Pajareros (Padua, 2019) et How Being Fishes… (Foulkes, 2021).

Parmi ses travaux récents figurent Murder City (Olmos, 2023), Mariachis (HBOMAX, 2023) et Depeche Mode: M (Fernando Frías, 2025).

CARLA FAESLER

Voix : La Vie / La Fissure

Carla Faesler (née en 1967, Mexico) est écrivaine, poète visuelle et éditrice, dont le travail entrelace littérature, son et image. Formée en sciences politiques, développement et esthétique, elle a cofondé Motín Poeta et a créé des photo-poèmes, des vidéo-poèmes et des ciné-poèmes.

Son roman Formol (Tusquets, 2014) a été nommé Meilleur livre par La Tempestad, et sa poésie a été récompensée par le Prix Gilberto Owen. Membre du Système national des créateurs d’art du Mexique, elle a collaboré avec des artistes tels que Melanie Smith et Francis Alÿs.

KENJI KATORI

Caméra

Kenji Katori est directeur de la photographie et diplômé du CCC, avec une carrière couvrant le cinéma et la télévision. Parmi ses crédits figurent Oveja Negra (2009), I Hate Love (2012), Sugar Kisses (2013) et Lost Girls and Love Hotels (2020), qu’il a coréalisé.

Il a également travaillé sur 007: Spectre (2015), God Is a Bullet (2023), ainsi que sur des séries telles que Coyote et Mayor of Kingstown. Ses courts-métrages ont été présentés à la Semaine de la Critique à Cannes.

PERE GEORGE

Producteur | Design sonore

Producteur, compositeur, arrangeur et ingénieur. Il a été nommé à deux reprises aux Latin GRAMMY Awards, dont dans la catégorie Album de l’année (2018). Il a travaillé avec une diversité d’artistes issus des scènes musicales anglo-saxonne et latino-américaine. Il a également exercé comme producteur de cinéma et de vidéo.

Il a produit le court-métrage primé Tierra de Fana Adjani (Programmer’s Choice Award du meilleur court-métrage au Fairy Tales Queer Film Festival 2022 à Calgary, Canada), sélectionné dans des festivals tels que le Festival International du Film de Guanajuato, le Seattle Queer Film Festival, MICGénero, entre autres. Il a également produit divers vidéoclips.

BRUNO VELÁZQUEZ

Producteur associé

Bruno Velázquez Delgado est philosophe, enseignant et défenseur des droits humains à la Universidad Nacional Autónoma de México. Titulaire d’une licence et d’un master en philosophie de l’UNAM, il possède également un diplôme en sécurité nationale, frontières et migration de l’Instituto Tecnológico Autónomo de México. Il est actuellement doctorant en philosophie à l’UNAM, dans le domaine de la métaphysique et de l’ontologie, où ses recherches portent sur le problème moral de l’amélioration humaine. Au cours de sa carrière, il a occupé diverses fonctions académiques, institutionnelles et publiques, notamment au sein du parquet spécialisé dans les crimes de violence contre les femmes au Mexique, ainsi que dans plusieurs instances de l’UNAM. Depuis 2026, il travaille à la Faculté de psychologie de l’UNAM et enseigne, depuis 2015, la philosophie, la pensée politique et les problématiques de la civilisation contemporaine à l’UNAM et à l’ITAM. Son travail se situe à l’intersection de la philosophie, du bien-être psychosocial, de l’éducation et des droits humains, en collaborant activement à des initiatives universitaires consacrées à la santé mentale, à la pensée critique et à la justice sociale.

CARLOS CORTÉS NAVARRETE

Mixage

Lauréat des Oscars, des BAFTA et des CAS Awards pour le meilleur son pour son travail sur le long métrage Sound of Metal (2019). Carlos a achevé ses études d’ingénierie audio au Recording Workshop, dans l’Ohio, aux États-Unis.

Il a commencé sa carrière comme ingénieur de tournée avec divers groupes à travers les États-Unis, et son parcours en design sonore a débuté avec des productions théâtrales telles que SAVIA et YOGAMOI, présentées au Festival de L’Imaginaire à Paris, France.

NORTEC: FUSSIBLE / PEPE MOGT

Musique

Pepe Mogt (Tijuana, Mexique) est l’un des pionniers de la musique électronique au Mexique, avec plus de 30 ans d’expérience en tant que musicien et artiste visuel. Également connu sous l’alias Fussible, il est le créateur du concept et de la matrice du son Nortec, ainsi que le cofondateur du Nortec Collective, un projet qui a révolutionné la scène en fusionnant la musique électronique avec le norteño et la banda, donnant ensuite naissance à des formations comme Nortec Collective Presents Bostich + Fussible, ainsi qu’à des projets comme Latinsizer, entre autres.

Son exploration sonore va de la musique électronique expérimentale proche de la techno et de la house, jusqu’à des textures ambient et un usage étendu de synthétiseurs modulaires, ce qui l’a conduit à se produire dans des festivals internationaux tels que MUTEK (Mexique et Japon), Glastonbury, FUSION, CRSSD, SXSW et Coachella, ainsi que dans de nombreux clubs à travers le monde.

Ses nominations internationales aux Grammy incluent les albums Bulevar 2000 et Tijuana Sound Machine dans les catégories rock et alternative, ainsi que deux nominations aux Latin Grammy en 2006 pour Tijuana Sessions Vol. 3 dans les catégories Meilleur album de musique alternative et Meilleur packaging d’enregistrement.

ERNIE SCHAEFFER

Étalonnage | Producteur

Ernie Schaeffer est étalonneur et spécialiste de la postproduction avec plus de 30 ans d’expérience. Il a supervisé plus de 50 films présentés dans des festivals majeurs, dont Cannes, Berlin et Sundance. Après avoir contribué à la création du programme cinéma de SAE Mexico, il a rejoint Splendor Omnia en tant que superviseur d’image.

Il est actuellement Head of Color chez Caffeine Post, où il développe des flux de travail à distance pour Netflix, Disney et d’autres, et forme des professionnels à travers l’Amérique latine en tant qu’instructeur certifié DaVinci Resolve/Fairlight et ambassadeur Blackmagic.

XII. CONTACT

FANA.ADJANIPROJECT@GMAIL.COM

Production : Jorge Perelló Undreiner — peregeorge@peregeorge.com | +52 777 134 5221